tag:blogger.com,1999:blog-82094439246412947652024-03-13T12:11:03.526+01:00críticas antiguas de carmencarmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.comBlogger10125tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-30543987593709044502008-07-11T12:37:00.003+02:002008-07-11T12:42:43.474+02:00¿QUÉ HORA ES ALLÍ?<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" >What time is there?</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" >, Tsai Ming</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" > Liang (2001)</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiA14OpyOUZ7SkWSTxBQvsgdJu7MxR2UBjEZx0kX5XLah95MOmm2KefU1DuIrAAJ5XroKYYI443aXs_3E0OAbXbZj2MDNWvH8GbcxTgTslrNkVBK_FVYe9h2QQX6HhJFaYn8IEWKeO6Myo/s1600-h/Waht_Time_Is_It_There-1.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiA14OpyOUZ7SkWSTxBQvsgdJu7MxR2UBjEZx0kX5XLah95MOmm2KefU1DuIrAAJ5XroKYYI443aXs_3E0OAbXbZj2MDNWvH8GbcxTgTslrNkVBK_FVYe9h2QQX6HhJFaYn8IEWKeO6Myo/s320/Waht_Time_Is_It_There-1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221704621599649410" border="0" /></a><br /><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: center; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >EL TIEMPO MUE</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >RTO<span style=""> </span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Hsiao Kang trata de curar su soledad y el destierro emocional que provoca la ausencia del que se ha ido en la frialdad compositiva que Tsai Ming Liang despliega en <i>¿Qué hora es allí?</i>. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El suicidio es el desencadenante de un relato que nos deja en la cruda tesitura, a base de montaje alterno, de desvelar la melancolía y el aislamiento contagioso de los que sufren el luto. O tal vez sólo se enfatiza la situación anterior al trágico contratiempo. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Los protagonistas de <i>¿Qué hora es allí?</i> no son capaces del contacto humano. La consecuente falta de comunicación no hace sino dotarlos de un cariz casi cómico, ridículo, que se recibe desde el más tierno de los sarcasmos. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Si bien no son maniqueos, los protagonistas se convierten en paradigmas descontextualizados que toman forma en un mundo (Taiwan) que podría ser cualquiera, pero que, inevitablemente es el que es y no podría haberse retratado mejor. A modo ilustrativo, véanse las solemnes tradiciones funerarias contrastando con la realidad de un país abarrotado en el que los difuntos descansan en diminutos cubículos apilados en un almacén.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El pesar de la viuda llevado al excentricismo más delirante, la mala suerte que hereda quien recibe el reloj del difunto o la obsesión de Hsiao Kang por cambiar la hora a todos los relojes por la hora que marca el reloj de su padre; devienen en un patético intento de sanar su dolor sintiendo el tiempo del que se ha ido. Si Antoine Doinel, al que el director taiwanés hace un guiño en la película, pierde la noción del espacio en una atracción de feria; Hsiao Kang desdeña la del tiempo como método contra el olvido.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Todos, finalmente, tratan de purgar sus traumas a través de episodios sexuales (sórdidos cuanto menos) que no hacen sino desnudar aún más su <span style=""> </span>desgarrada soledad.<span style=""> </span>Este dolor pausado se concentra en escenas estáticas y eternas que muestran tan sólo tiempo muerto; los planos abiertos dejan al descubierto el aislamiento y la insignificancia de los personajes y el ambiente inhóspito de los espacios del anonimato, se ve privilegiado por una cuidada iluminación y una escasez de diálogos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Tsai Ming Liang elabora desde la distancia un relato melancólico sobre la búsqueda, pero también sobre la pérdida. <i>¿Qué hora es allí?</i> aúna nostalgia e incertidumbre, pasado y futuro, en un contexto donde lo fantasmagórico se cruza con lo tangible; destrozando a veces el placer de observarla, recordándonos no sin ironía que seguiremos en el lugar en el que nos encontramos.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><br /><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-267559588792537662008-07-11T12:35:00.001+02:002008-07-11T12:52:47.013+02:00ZOMBIES PARTY<p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" >Shaun of the dead</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" >, Edgar Wright (2004)</span></p><p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg46g3_GI02rM-bmil13v4clrRti-o0ndhNpjXPhRkDF8A1YIP51XvpE-tU6vxwBVYKfQpdVSyBMcLKlMSxhIV0zGF4ryalQ4Gk3ut3ixmiLYlPuB-V9YonPPBIYWFfE4p-v3SnQfFQJho/s1600-h/shaun_of_the_dead.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg46g3_GI02rM-bmil13v4clrRti-o0ndhNpjXPhRkDF8A1YIP51XvpE-tU6vxwBVYKfQpdVSyBMcLKlMSxhIV0zGF4ryalQ4Gk3ut3ixmiLYlPuB-V9YonPPBIYWFfE4p-v3SnQfFQJho/s320/shaun_of_the_dead.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221707552175224770" border="0" /></a><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="EN-GB" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >AMOR ZOMBI<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Zombies party</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >. <i>El desesperar de los muertos</i>. <i>Superzombies</i>. Definitivamente, las traducciones no le han hecho ningún favor al cine. Bien es cierto que el título original de esta película de Edgar Wright, <i>Shaun of the dead </i>no esclarece demasiado el contenido de la cinta al público no-anglosajón, pero al menos el desconocimiento atenúa el malentendido. Si el espectador despistado se acerca a un título como <i>Zombies party</i>, sin duda encontrará algo muy distinto de lo que esperaba.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Y es que <i>Zombies party</i> no es más que una comedia romántica, no un regalo para los trasnochados amantes del <i>gore</i> de los años ochenta y noventa. No se entienda esto como un reproche. La comedia romántica suele meterse en la piel de otros subgéneros, pero desde luego ha sido todo un hallazgo por parte del director británico y del co-guionista/protagonista de la película, Simon Pegg, desarrollar una simplona historia de amor en una ciudad plagada de muertos vivientes. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >A Shaun acaba de abandonarle su novia, Liz, después de tres años de relación. Tras una noche de fiesta con su incorregible compañero de piso, Shaun se propone recuperarla, pero en su empeño tendrá que lidiar con una muchedumbre de zombis. Comienza así una aventura de rescate que roza lo paródico pero que, a diferencia de otras cintas como la saga de <i>Scary Movie</i>, convierte lo parodiado en un elemento que verdaderamente hace avanzar la historia. Eleva a los zombis a componente formal de la comedia romántica, convirtiendo la película en un homenaje más que en una mera burla.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Zombies party </span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >discurre entre golpes de humor físico, juegos musicales, diálogos insolentes y desenfadados y zombis desmembrados. Wright sólo recurre al estereotipo para ridiculizarlo (véase el increíble parecido del amigo de Liz con Harry Potter) y sus personajes son en esencia antihéroes con mucha suerte. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El relato se despliega en el entorno amable que sólo se consigue en un trabajo realizado entre amigos (el equipo técnico y artístico ya se conocía), y quizá por esto se echa de menos el estilo que sólo se da en las producciones de bajo presupuesto, tan frecuentes en el subgénero de zombis (reflexión inducida por la no-tan-falsa idea de que en las grandes producciones no hay amigos, sólo profesionales e intereses contrapuestos).<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin: 6pt 0cm; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Superado el malentendido inicial, <i>Zombies party</i> se revela como una película simpática e irrepetible. Toda imitación sería pobre, ya que carecería de la singularidad<span style=""> </span>que hace original a la cinta: tratar a los zombis como un obstáculo para el amor.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-73097288853083858482008-07-11T12:33:00.006+02:002008-07-11T12:59:05.316+02:00UNITED 93<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >United 93</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Paul Greengrass </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >(2006)</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixZtNbVrQMl7kgLP0qyktehxpMDj_0OZpJII0kCyH-CVjcZsIQv2hDVgxk2rhMgVkXERoPpAgkHcI04L6JCY9RsFW8wLZRFvq9ugs5hgrYuhFNUtVrHOHqXSR4DA2Q9jwwCUDiBxjgb1A/s1600-h/united93_01.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixZtNbVrQMl7kgLP0qyktehxpMDj_0OZpJII0kCyH-CVjcZsIQv2hDVgxk2rhMgVkXERoPpAgkHcI04L6JCY9RsFW8wLZRFvq9ugs5hgrYuhFNUtVrHOHqXSR4DA2Q9jwwCUDiBxjgb1A/s320/united93_01.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221709080476339106" border="0" /></a><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >EL SUSTITUTO DE FICCIÓN<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El cine tardó en acercarse al 11-S. Estados Unidos, y en consecuencia el resto del mundo, aún lloraba la tragedia; recreada y construida desde los informativos de todas las televisiones. El mayor acontecimiento mediático de la historia había definido qué heridas debían doler.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Tras una recopilación de cortos de distintos directores de diferente nacionalidad, que trataron el tema de un modo paralelo, con historias colindantes en tiempo y/o espacio al suceso; en 2006 aparecen <i>World Trade Center</i> (Oliver Stone) y <i>United 93</i> (Paul Greengrass), que se afanan por penetrar en el interior de la desgracia. Si bien Stone se centra en una de las muchas tragedias personales de aquel día, con su consecuente espectacularización de los hechos; Greengrass decide dar voz al menos conocido de los secuestros aéreos de aquel día, el del vuelo 93 de la United Airlines, que se estrelló antes de llegar a su supuesto destino, la Casa Blanca.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La elección de la historia por parte de Greengrass no resulta arbitraria: el desconocimiento y los enigmas ayudan siempre a la ficción. Los componentes fidedignos son relativamente escasos, apenas se contaba con los datos y perfiles personales de los pasajeros y la tripulación, la trayectoria del avión y el recuerdo que sobre las llamadas de aquel día tenían los familiares de las victimas. La leyenda estaba aún por escribir.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Y Greengrass lo hizo desde la seriedad y el respeto. El director británico tenía ya experiencia en la reconstrucción de tragedias populares desde que hiciera su película más célebre, <i>Bloody Sunday </i>(2002). Era consciente de que necesitaba atenerse a la verdad o a su mejor sucedáneo.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >De la realidad construyó una ficción, y de la ficción un documental que pasa por realidad. Recursos como la cámara en mano, el uso de imágenes reales, los diálogos a veces ininteligibles y cargados de tecnicismos de aviación, la narración a tiempo real o la recreación al milímetro de los escenarios dotan de veracidad a la cinta. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Este efecto realista supone cuanto menos un riesgo: confundir la copia con el original, la representación con el referente; con sus inevitables consecuencias. Sin embargo, si algo salva a la película de la amenaza ideológica es la distancia sentimental que el director guarda con los personajes. La historia intenta escapar de la irremediable identificación efectista que se da entre espectador y personaje. Para ello se vale de un protagonismo coral del que nadie sobresale, de la ausencia de maniqueísmo y de la interpretación de actores desconocidos. La mirada es global y anónima, pero no indiferente.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La película dibuja dos espacios. Por un lado, el mundo exterior, en continuo proceso de comunicación, representado por los distintos centros de control aéreo; y por otro, el microcosmos aislado que surge en el interior del avión secuestrado. Las dos líneas argumentales resultantes de ambos espacios se retroalimentan para crear suspense. La bomba está puesta en el primer espacio, donde la tensión y el desconcierto avanzan hacia la catástrofe inminente; pero estalla en el segundo, donde instantáneamente la quietud se vuelve auténtica masacre entre gritos de pánico y confusión.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >United 93</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > se desliga del 11-S para convertirse en una tragedia independiente, con héroes y villanos consistentes. Al mismo tiempo, y de un modo absolutamente perspicaz, Greengrass deja una ventana abierta a la interpretación de los hechos. No se decanta por ningún móvil de sublevación de los pasajeros a sus captores. No elige entre instinto de supervivencia y amor a la patria.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >En todo caso, la cinta dignifica finalmente a estos héroes/supervivientes maquillando el caos del descenso en picado hacia un lugar indeterminado de Penssylvania mediante el uso de música; lo que, según el ojo que observe, conduce a estos personajes a una muerte cruel o al noble ascenso al paraíso que parecen merecer.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >No obstante, las posibles intenciones de Paul Greengrass trascienden de la película para enclavarse en un contexto del cine americano de acción mucho menos honesto. Los <span style=""> </span>villanos<span style=""> </span>eran extraterrestres, después fueron soviéticos. Ahora son <span style=""> </span>musulmanes.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-21665874445578463442008-07-11T12:33:00.005+02:002008-07-11T12:49:00.060+02:00KASABA/NUBES DE MAYO<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Kasaba</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Nu</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ri Bilge Ceylan </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >(1997)<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Mayis Sikintisi</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Nuri B</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ilge Ceylan (1999)</span></p><div style="text-align: center;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkxjgzCgdXy9f3MJXfp8U8gwGDbAotZv6KYLXPcu0z66bjujp2YoyfBnOpZPi44UiosSmud3uzOvF1W4OTOQW4c_hcHMwE-q893gnSWS7ep1QzsgmfYNB4fKZw8MscF5aJo3dZT1hrpJo/s1600-h/kasaba2.jpg"><img style="cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkxjgzCgdXy9f3MJXfp8U8gwGDbAotZv6KYLXPcu0z66bjujp2YoyfBnOpZPi44UiosSmud3uzOvF1W4OTOQW4c_hcHMwE-q893gnSWS7ep1QzsgmfYNB4fKZw8MscF5aJo3dZT1hrpJo/s320/kasaba2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221706096180574562" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijTRd-MzzTRDZKAKKRnwv0ZtbU3vpwdTH1_sBm76XOzKcvnrex5hAfPGRwKjJ1OtFCVVPs5puvVz0OesN9XQ6qc3JHwAyT7qSl4UcmBImzk2pk06-u5Cv7g3-yVbDvjvn4ETgkreThNZs/s1600-h/nubes+de+mayo.jpg"><img style="cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijTRd-MzzTRDZKAKKRnwv0ZtbU3vpwdTH1_sBm76XOzKcvnrex5hAfPGRwKjJ1OtFCVVPs5puvVz0OesN9XQ6qc3JHwAyT7qSl4UcmBImzk2pk06-u5Cv7g3-yVbDvjvn4ETgkreThNZs/s320/nubes+de+mayo.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221706266653924194" border="0" /></a></div><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><br /></p><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >NUBES EN CEYLAN<o:p></o:p></span> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Nuri Bilge Ceylan se desdobla. Director tardío y de corta trayectoria, ha edificado su propia forma de hacer cine, literalmente íntima y familiar, franca y fiel a sus ideas; en la que se entremezcla su biografía delante y detrás de la cámara. Al menos eso deja intuir en su primer largometraje, <i>Kasaba</i> y explicita en el segundo, <i>Nubes de Mayo</i>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Kasaba</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > es en primer lugar el retrato de su infancia, filtrado por el recuerdo de su hermana, autora del relato autobiográfico del que parte la película. Asistimos a través de los ojos de los niños protagonistas, que no son otros que el director y su hermana Emine, a su situación familiar, en cuya complejidad nos adentramos atendiendo a sus conversaciones junto al fuego. Entre historias trilladas y discusiones intergeneracionales, los niños se introducen en un mundo de adultos que aún no comprenden. Inician una toma de conciencia de la realidad que les rodea, experimentando nuevos sentimientos, como la vergüenza o la responsabilidad. Memoria y personalidad comienzan a forjarse en ellos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Esta es la situación desde la que arranca otra de las significaciones de la película: la familia como espejo ejemplar de la Turquía rural de los años sesenta y setenta. Desde la postura resignada del abuelo, combatiente y prisionero en la Primera Guerra Mundial (que nos remite a la historia reciente del país); pasando por la trayectoria del padre, hombre con estudios y expectativas; hasta llegar a la desmotivación y rebeldía pasiva del primo. La<span style=""> </span>actitud de las mujeres, por su parte, permanece tranquila, paciente y en cierto modo sumisa, entrelazada entre la postura más activa de los hombres.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Todos estos elementos aparecen de una forma peculiar en <i>Nubes de Mayo</i>, que se constituye casi como el “making of” de <i>Kasaba</i>. En la cinta, un hombre regresa a la casa de sus padres, en su pueblo natal, para hacer una película. Esa película es <i>Kasaba</i>, y ese hombre es Nuri Bilge Ceylan (interpretado, eso sí, por Muzaffer Özdemir).<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La interacción entre ambos largometrajes va en aumento hasta el punto de hacerse necesario el visionado de ambos para recibir una impresión global de todo lo que el director quiere expresar.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El modo en que ficción y biografía se combinan es en ocasiones hermético y en otras tan disperso que resulta inexplorable. La fusión de personajes, actores y personas reales contribuyen a este extraño enredo. Si en <i>Kasaba</i>, los padres del director interpretan a los abuelos de éste, en <i>Nubes de Mayo</i> hacen de sí mismos. Lo mismo ocurre con su primo Mehmet Emin Toprak, que interpreta también al primo del director, aunque con distintas variantes y en distintas épocas, en las dos cintas. Más curioso es el caso de los niños, escogidos cuidadosamente por casting. Ali, el sobrino en <i>Nubes de Mayo</i>, supuestamente inspira a Ceylan/Özdemir <span style=""> </span>para crear el personaje del niño Ali de <i>Kasaba</i>. Pero, ¿no era este el trasunto infantil de Ceylan?<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La intervención de familiares y amigos en sus películas es ya una dinámica habitual del director turco. De hecho, es parte constitutiva de su modo de hacer cine. Nuri Bilge Ceylan padece una cierta megalomanía que le lleva a reducir<span style=""> </span>su equipo de trabajo a la mínima expresión. En <i>Kasaba</i>, tal y como se refleja en <i>Nubes de Mayo</i> sólo estuvo ayudado en la realización por su amigo y colaborador Sadik Incesu, si bien en la postproducción de video y sonido tuvo más ayuda. Intenta así crear un ambiente íntimo para el momento en el que la película nace, el rodaje. Rechaza toda presión que la premura genera en cualquier rodaje estándar, para dar lugar a un clima de tranquilidad y privacidad en el que los “actores” se sientan confiados para sacar lo mejor de si mismos. A ellos dedica todo su tiempo y esfuerzo, ya que son los creadores de realidad con sus rostros y cuerpos. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >No resulta peculiar esta concepción del cine si tenemos en cuenta la trayectoria de Ceylan. Licenciado como ingeniero, en su treintena empezó a estudiar cine en Estambul; pero lo dejó a los dos años, convencido de que era una pérdida de tiempo: debía ver, pensar y hacer cine por su cuenta. Una vez comienza su labor cinematográfica, y aún consciente de las dificultades que suponía dirigir en Turquía sin subvenciones estatales, no cumplió ninguno de los requisitos que pedía el Ministerio de Cultura, desdeñando así todo elemento que coartara su creatividad, trabajando libremente desde sus inicios <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Por esto no resulta raro que <i>Nubes de Mayo</i> hable también de la obsesión. De la suya por hacer cine, de la de su primo por escapar del pueblo, de la de su sobrino por conseguir un reloj musical. Estas manías chocan unas con otras hasta la incomunicación. Este furor por conseguir unas metas, simples en apariencia, contrasta con la quietud del mundo rural y austero en el que se desarrolla la historia. Resuena el eco de la obra de Anton Chéjov, a quien dedica la película, acentuando la obsesión, la frustración y el implacable paso del tiempo, que transcurre como adormecido entre caminos desiertos y paisajes estáticos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >A nadie se le escapa que Nuri Bilge Ceylan es en primer lugar fotógrafo. Algo subyace en sus imágenes detrás de la fuerza de sus personajes, algo que rehuye del esteticismo vulgar y reclama la contemplación. La belleza de los planos no molesta ni distrae, aunque no por eso deja de retribuir a la película de una clara connotación: el paisaje construye también al personaje, por lo que hay que recrearse en él, entenderlo como el buen telón de fondo que es, un entorno con detalles que pasan inadvertidos pero que no pueden dejar de estar presentes en ambas películas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Y es que si de algo somos prisioneros es del pueblo en que nacimos. En <i>Kasaba</i> y <i>Nubes de Mayo</i> se explicitan tanto el deseo frustrado de escapar como la ineludible necesidad del regreso, tan presentes en el cine turco actual en particular y en el europeo en general. Si algo diferencia a Ceylan de directores como Fatih Akin (de ascendencia turca) en estas reflexiones es su férrea voluntad de naturalizar los procesos; el rechazo claro a hacer artificiales el viaje y la evolución, con todo lo que ello conlleva. Ceylan no narra un desplazamiento, congela un punto del trayecto y se detiene a observar.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Nuri Bilge Ceylan no persigue contar las hazañas de personajes extraordinarios, ni siquiera las extraordinarias andanzas de gente corriente; sino mostrar la existencia normal de personas normales. Para ello, parte de su propia realidad, tratando de borrar idealismo y heroicidad al desplegar su biografía de un lado a otro de la cámara. Tal vez esté buscando algo, o tal vez espere que nosotros lo encontremos.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-36279379158948577172008-07-11T12:27:00.005+02:002008-07-11T13:03:07.014+02:00ILS<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ILS</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Moreau/Palud (2006)</span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2zaN7fDwskd48iliZqPNgAes9BsaZjMtxfaH7TKfvKZQv-KepnnfJeJ76V7webvroQd4JYN3qLQeYRH60hteR1i1TU6-ic6JIPHQ5SAHRtxHTZ2oC2tEhRPnJFgnByLQxnLno72b0lrw/s1600-h/ils.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2zaN7fDwskd48iliZqPNgAes9BsaZjMtxfaH7TKfvKZQv-KepnnfJeJ76V7webvroQd4JYN3qLQeYRH60hteR1i1TU6-ic6JIPHQ5SAHRtxHTZ2oC2tEhRPnJFgnByLQxnLno72b0lrw/s320/ils.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221710149230895314" border="0" /></a><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ILS</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >: PRIMERA PERSONA DEL PLURAL FRANCÉS<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Antes de su partida a Hollywood para codearse con estrellas internacionales en el remake, de inminente estreno, de <i style="">The eye</i>, Moreau y Palud sorprendieron en los círculos de la ficción de terror con una modesta y breve película, <i style="">Ils.<o:p></o:p></i></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Lo novedoso de esta película no es tal si nos remitimos a un cine de terror de corte realista, en el que aún se demostraba cierta dignidad en los planteamientos narrativos mediante el uso de situaciones coherentes y puestas en serie razonables. El mérito de los directores franceses se basa en rescatar para el terror el espacio de la cotidianeidad, en una época en la que los monstruos sanguinarios, los psicópatas o las maldiciones asiáticas están a la orden del día.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Ni el escenario ni la situación son determinantes para que el mal ataque, por mucho que <i style="">Ils</i> transcurra en un viejo caserón perdido en Rumanía. Esta es la primera convención del cine de terror que la película reconstruye: dar otra significación al tópico de la mansión encantada. La casa a la que la pareja protagonista, Clem y Lucas, acaba de trasladarse desde Francia; no esconde ningún terrible secreto ni misterio fatal, se erige únicamente como perfecta ambientación para los acontecimientos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La presentación de los personajes es sencillamente correcta, en tanto que se nos proporciona sobre ellos la información justa y necesaria; y en absoluto efectista, en el sentido de que no se nos presenta ningún conflicto entre ellos, sea una crisis o la explicitación de sus expectativas de futuro; por lo que no se nos fuerza a una identificación a base de sueños truncados.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Clem y Lucas viven en un día cualquiera, nada en su actitud nos induce a imaginar lo que va a ocurrir. Los únicos avisos vienen del exterior, y nos sacuden a la vez que a los personajes; descubrimos paso a paso, en primera persona del plural (acentuado con una cámara dinámica), la fuente del mal.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La película carece de anticipos, salvo la introducción, que se vincula sólo de manera indirecta con la trama principal. No hay montaje paralelo que revele el misterio de antemano, ni tan siquiera hay sonido en off esclarecedor; y la música se dedica casi en exclusiva a situarnos y hacernos partícipes del ánimo de los personajes.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El punto de partida y de llegada es la realidad, que se ve transgredida por la amenaza de lo desconocido. Lo incógnito se constituye como centro neurálgico del mal, que viene a destruir la confortabilidad de la rutina en el lugar más íntimo de la protección, el hogar. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El terror en <i style="">Ils</i> es el cambio, el giro inesperado, la ruptura. Y ataca en cualquier situación. Si el terror avisa no es terror.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-49366815599156073482008-07-11T12:27:00.004+02:002008-07-11T13:01:44.641+02:00ELECTROMA<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Electroma</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Bangalter y de Homem-Christo (2006)</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUu-TJQyghUiDg6I5uwQ7mZNaaU4n-jY0a__nSo1ZyFIjCdpG4Epd9z2PjM4GlkESscFCIWIWaaOODVM0OJebXjMCJI-0Ws3e877OnND_zmpPVJYTpvmyQHT6YZ3vtCGKRUdiKIdOVLNE/s1600-h/electroma.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUu-TJQyghUiDg6I5uwQ7mZNaaU4n-jY0a__nSo1ZyFIjCdpG4Epd9z2PjM4GlkESscFCIWIWaaOODVM0OJebXjMCJI-0Ws3e877OnND_zmpPVJYTpvmyQHT6YZ3vtCGKRUdiKIdOVLNE/s320/electroma.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221709701622031458" border="0" /></a><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >LA TRISTEZA DEL ANDROIDE<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El espacio es un pueblo aislado en el desierto y el tiempo es el futuro. El mundo está ahora habitado por androides que actúan como humanos, y cómo estos, aquí sólo padece aquel que sueña. Este es el planteamiento de la desconcertante <i>Electroma</i>; el resultado del salto que Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, más conocidos como Daft Punk, han dado al mundo del cine. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Sirva como advertencia que el inicio de la película puede resultar complicado para el espectador poco flexible, pero cinco minutos bastan para que la cinta comience a desplegar un<span style=""> </span>magnetismo inaudito en el cine convencional.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Y es que ya sea por rechazo o por desconocimiento de las reglas ortodoxas de construcción cinematográfica, Bangalter y de Homem-Christo (ayudados por reconocidos profesionales, como Chris Cunningham) han conseguido innovar y seducir sin recurrir a formalismos tradicionales. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Condicionados, como no podía ser de otra forma, por los métodos del videoclip creativo (en el que resuenan ecos del video arte), los componentes de Daft Punk construyen esta ciencia ficción eliminando o renovando las herramientas que estaban a su alcance, dando lugar a un ambiente tan enrarecido como atractivo. En <i>Electroma </i>no hay diálogo alguno, la narración es débil, los actores están privados de cualquier gesticulación (todos, sin excepción, se esconden tras un casco opaco) y la duración de planos y secuencias enteras se dilata hasta rozar lo hiriente.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Sin embargo, son estas características las que engrandecen a la película. La inconsistencia narrativa da libertad al espectador para interpretar las metáforas que le son ofrecidas y la dilatación del tiempo le permite para apreciar el gran peso emocional que las imágenes transmiten. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La cinta desprende escena a escena una gran belleza plástica que apela directamente a los sentidos. No podemos ver la tristeza y la desesperación en el rostro de los protagonistas, pero gracias a la atmósfera indiscutiblemente bien compuesta por la armonía de todos los elementos de la película, sabemos que está ahí.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Electroma</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > da vida a lo inanimado, y ese es su logro.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style=";font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-72883770751946717642008-07-11T12:24:00.001+02:002008-07-11T13:04:14.346+02:00LA LÍNEA RECTA<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La línea recta</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, José Mª de Orbe (2006)</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDKu-dxdOX4XFODZ0_KH7A0LrymrIEl3ehNEUhcVGk77qx-5swn7rB4V-h_Zb-_sz4y6YXPZe_bX8oZLH_DqYMjc3_o8D1LWzLSXQFb2BIFLPwDC5-DlK5hHtI8oAyKIB-N6LFv4HWhuc/s1600-h/linea_recta.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDKu-dxdOX4XFODZ0_KH7A0LrymrIEl3ehNEUhcVGk77qx-5swn7rB4V-h_Zb-_sz4y6YXPZe_bX8oZLH_DqYMjc3_o8D1LWzLSXQFb2BIFLPwDC5-DlK5hHtI8oAyKIB-N6LFv4HWhuc/s320/linea_recta.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221710570186529906" border="0" /></a></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >LA MIRADA SOBRE EL ASFALTO<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Es necesario acercarse a <i>La línea recta</i> con los ojos especialmente bien abiertos. Muestra más de lo que esconde, pero hay que estar atentos. Olviden todo lo que hayan visto y no esperen que ocurra nada. Limítense a observar.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >José María de Orbe plantea nuevos argumentos para el debate histórico sobre los modos de representación del realismo. Nos regala una película sin artificios, arrancada de un punto indefinido que separa la ficción de su referente. Muestra el mundo sin cobardía ni vergüenza; dejando que el tiempo avance sin cadencia aparente.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Noelia reparte publicidad de buzón en buzón, enseñándonos a su paso la periferia de una gran ciudad que podría ser cualquiera. A diferencia de otras películas españolas de éxito, que se escudan en la temática social-marginal para dejar al espectador sin reproche que hacer; <i>La línea recta</i> se olvida por completo de los modelos de narración clásicos para dejar terreno a los sentidos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Sencillamente no se aferra al contenido, aunque la elección de la biografía de los personajes sea de todo menos arbitraria. Para borrar las huellas que separan cine de vida, desprecia todo artificio: nada de música, nada de causa-efecto, nada de actores conocidos, nada de conflicto o evolución. No hay ninguna respuesta, tal vez sólo preguntas. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Para ello, de Orbe ha deshecho la técnica de los actores (en el caso de la protagonista, Aina Calpe, los vicios a borrar eran pocos, ya que su experiencia como actriz es muy escasa); ha permitido al azar mezclarse en la imagen usando cámaras ocultas en la calle (a veces, ni Calpe sabía donde estaban); ha dado tiempo a la acción mostrando todo gesto y detalle, pero parándola antes de que el espectador se haga omnisciente. Destacar además los diálogos, redactados mano a mano con Daniel Villamediana, que son, por definición convencional, casi anticinematográficos. No anticipan ni revelan, hablan en presente, como el resto de elementos de la película.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Esboza de este modo un retrato del vacío existencial de los barrios dormitorio; enmarcando el espejo al que nunca miramos, porque no apetece, cansa o duele. Engrandece a personajes pequeños, casi invisibles, que habitan una ciudad muerta pero que crece imparable, arrastrando a su paso tal vez demasiadas cosas. Y lo hace desde un estilo propio, que se anuncia desde el sello Fresdeval Films, que ya produjera <i>Las horas del día</i>, de Jaime Rosales; en el que prima la voluntad de hacer cine y nada más.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Noelia es un prototipo, un compendio de personas reales que avanzan pasivas, casi por inercia. Esta es la verdad que José María de Orbe quería mostrar en su primera película: la ausencia de metas en la brecha de una sociedad que aliena al individuo, arrojándolo sobre una ciudad cargada de asfalto; despojándolo de propósitos, ilusiones o aspiraciones vitales.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >No seguir el ritmo frenético y absorbente de un círculo vicioso delimitado de antemano por fuerzas dispersas entre el anonimato nos sumerge en la apatía. Noelia se debate entre la supervivencia y el desánimo; dicotomía que no la deja en peor situación que al resto de personajes, empeñados en dotar de sentido a sus vidas. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Forma y contenido se retroalimentan: este vínculo encuentra buena expresión en los diálogos que Noelia, o más bien Aina Calpe reciclada en buzoneadora, mantiene con las voces que brotan de los porteros automáticos y que, gracias a la naturalidad que invade al que no sabe que una cámara lo registra, reflejan la realidad de un modo inigualable. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >La película avanza con todo su bagaje siguiendo esa línea recta que no se para pero tampoco varía su recorrido. Siguiendo sus pasos, nos sumerge con ella en un hastío paciente. Consigue sus objetivos, deja algo dentro del que se acerca a ella, algo que puede tornarse cruel o dulce.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >El resultado es imperfecto, lo que da dignidad y honestidad a la película, ya que el mundo real no sigue un guión, es también imperfecto y no halla consuelo en ficciones amables.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-79732877427574315022008-07-11T12:22:00.001+02:002008-07-11T13:10:03.895+02:00JUNO / LÍO EMBARAZOSO<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Juno</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >, Jason Reitman </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >(2007)<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Lío embarazoso</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >, Jud</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >d Apat</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >ow (2007)</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-ACkf4X3WRw1LtPnOLyK9JxUFvd2dmFnAhxOqFPMbKRZ8DFeKNaXt2UJISLidx3opKVIbltOOohNc-eHnKAyJTTLTt2zqz1Y8CGMWvMa9PfJYMRmSKr4UvwmoRiymfM-FCor8tojbByA/s1600-h/lio+embarazoso%C3%A7.jpg"><img style="cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-ACkf4X3WRw1LtPnOLyK9JxUFvd2dmFnAhxOqFPMbKRZ8DFeKNaXt2UJISLidx3opKVIbltOOohNc-eHnKAyJTTLTt2zqz1Y8CGMWvMa9PfJYMRmSKr4UvwmoRiymfM-FCor8tojbByA/s320/lio+embarazoso%C3%A7.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221711506949084626" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhGDW2FSr5dzfX9ZDFnN1h0k34MstlBFKNqocAQ4Lo1jwh0an4coWr8ZFaBlQvfE-ShvvyAThoajfFrun38_Ow6_KdzWuz5ljikTzRUui5tOfef0OwVTMJwRSW6FrofV2ABHDagh4lKEs/s1600-h/juno31.jpg"><img style="cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhGDW2FSr5dzfX9ZDFnN1h0k34MstlBFKNqocAQ4Lo1jwh0an4coWr8ZFaBlQvfE-ShvvyAThoajfFrun38_Ow6_KdzWuz5ljikTzRUui5tOfef0OwVTMJwRSW6FrofV2ABHDagh4lKEs/s320/juno31.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221712019658476002" border="0" /></a><br /><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >SHE’S HAVING A BABY<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >“Otro <i style="">happy ending</i> es posible”. O eso parece reclamar a gritos el nuevo éxito del cine independiente americano. <i style="">Juno</i> apuesta por una mirada diferente a la realidad diaria de Estados Unidos. Sin embargo, repite rasgos que le despojan de la razón.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >En esencia, no se diferencia tanto de otra cinta, sólo seis meses más antigua, que aborda también el tema de los embarazos no deseados: <i style="">Lío embarazoso</i>. Insisto, en esencia. Los fines y las formas<span style=""> </span>son radicalmente distintos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Juno</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" > va más lejos en todos sus planteamientos. El segundo largometraje de Jason Reitman como director nos presenta una microsociedad de habitantes complejos, caóticos y, en cierta medida, entrañables; que nos remite inevitablemente a un cierto cine independiente americano que encandila al público de todo el mundo y del que resulta buen ejemplo <i style="">Little Miss Sunshine</i>. Juno (Ellen Page) es una adolescente de Minnesota bastante atípica, al menos si la comparamos con el canon juvenil a seguir propuesto por Hollywood: es maleducada, despreocupada, desaliñada, excéntrica, sarcástica y, lo que es más, aparenta tener ideas propias. Del aburrimiento pasa al sexo y de ahí al embarazo inesperado. Comienza así su viaje iniciático, su paso a la madurez; que ella elabora tomando por su cuenta las decisiones importantes de su vida.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Nada que ver con Allison, la primeriza de <i style="">Lío embarazoso</i>. <span style=""> </span>Katherine Heigl encarna a una veinteañera con creciente éxito laboral; que en una noche de fiesta se emborracha y se queda embarazada de un tipo al que acaba de conocer, Seth (Ben Stone). Si bien es cierto que esta situación no es demasiado acorde con la moral americana, el transcurso de los acontecimientos guiará al espectador por una carretera de sentido único, trazada por la estructura clásica de la comedia romántica más convencional, que reforzará algunos juicios de valor demasiado anclados, a golpe de audiovisual, en la sociedad americana.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >He aquí la diferencia principal entre las dos películas. Son dos comedias que tratan el mismo tema, pero mientras que <i style="">Lío embarazoso</i> se limita a introducir ciertas variaciones de actualidad (noches de borracheras, veinteañeros que fuman de marihuana, sexo liberal) sobre un esquema de género canónico; <i style="">Juno</i> se salta las buenas formas, huyendo de expectativas previsibles (pocas, para ser fiel a la verdad), diálogos edulcorados y sensiblería fácil.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >No hay que llamarse a engaño, <i style="">Juno</i> no es una película polémica ni alarmante. Se trata de una traducción suavizada de otros títulos del cine indie como <i style="">Ghost World</i>, en la que se deja ver la impertinencia atroz del cómic underground de los noventa, llevando a sus personajes hasta el extremo de lo incómodo. <i style="">Juno</i> no procede del mundo del cómic, sino de las elucubraciones de su extravagante guionista, Diablo Cody, cuyo estilo irónico cautivó a los productores; pero comparte algunos elementos con este. <span style=""> </span>El uso de la infografía en los créditos, mezclados con imágenes reales; así como la presentación que en el inicio de la película Juno hace de sus parientes, con un montaje rápido de planos cortos; recuerda necesariamente al universo de las viñetas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Tal vez podría vislumbrarse aquí una tendencia de la comedia americana, una <span style=""> </span>nueva vía que se debate entre la comedia romántica más superflua (los ejemplos serían infinitos), el <i style="">slapstick </i>gamberro de actualidad (títulos como <i style="">Colega dónde está mi coche </i>o<i style=""> American Pie</i>) y la crudeza de las comedias independientes.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Dependiendo de la categoría a la que se acerquen, el resultado será uno u otro. Si <i style="">Juno</i> es un versión <i style="">light</i> de la comedía dramática independiente, <i style="">Lío embarazoso</i> es una adaptación moderna de la comedia romántica.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Los elementos que <i style="">Lío embarazoso</i> actualiza son más de contenido que de continente. Incluye nuevas formas y personajes de la estructura social, como puede ser la división no sexista del reparto de tareas domésticas en la familia, la mujer trabajadora y exitosa o la figura del “peter pan”; a la vez que los fuerza a entrar en un camino en el que la moralidad resulta victoriosa. <i style="">Lío embarazoso</i> se desarrolla de forma apretada, encajada con calzador en dos horas; a fuerza de lógica social simplista y personajes que se revelan planos a medida que avanza la película. Todo en la cinta se ajusta definitivamente al prototipo americano. El fin es uno y la mirada es unidireccional. Decir más de esta película de Judd Apatow sería repetirse.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i style=""><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >Juno</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" > está también condensada (un trimestre de embarazo cada treinta minutos), pero avanza paso a paso, dejando que nos recreemos en la orquestación de los personajes, con pasado y presente propio. El encorsetamiento temporal de estos no es incompatible con un modelo más libre de evolución de sus personalidades; en el que no nos vemos en la obligación de sentirnos identificados con golpes efectistas como conversaciones trágicas o música conmovedora. Juno toma decisiones rápidas, pero apenas nos involucra en su proceso de elección, al contrario que en <i style="">Lío embarazoso</i>, que pretende ponernos en tensión con dramatismo instantáneo ante las posibilidades de su protagonista (aunque apenas se mencione la posibilidad del aborto).<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >El gran pero subyace en las trampas que <i style="">Juno</i> ha puesto en el camino. La primera de ellas: hacernos creer que nos muestra un universo diferente. Sin embargo, la lista de películas sobre auto-inadaptados de instituto, con reivindicación explícita de aprobación social o no, con música <i style="">indie</i> de fondo o no, con embarazo o sin él; no empieza ni acaba con <i style="">Juno</i>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" >La segunda: la justificación anticipada del final feliz. Aunque seamos partícipes de su evolución, Juno pelea, como cualquier adolescente, por demostrar que su decisión es la correcta y que lleva razón. La película es adolescente en ese aspecto. Se revela <span style=""> </span>como un constante aviso de lo que va a suceder, por lo que todo conflicto, argumentación o apariencia de madurez quedan invalidados y relegados a la espera de que nos dibujen, al final, una sonrisa.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" lang="ES" ><span style="color:black;"><a href="http://www.labutaca.net/"><span style="text-decoration: none;color:black;" ></span></a></span><o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-36475148875733112932008-07-11T12:21:00.001+02:002008-07-11T12:54:41.916+02:00VENDREDI SOIR<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Vendredi soir</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Clarie Denis </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >(2002)</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEfttRyex5g8AGW39xuN8K_wy23r_SKPb21_Xwo9G4ZjeDLBIFv9PIw8mno_ecizO-oRP-OgSPJzCUBPytOnLEEDlLOm2c-Nb_n1BpD9mIDxRh8vmmLXjasJWMdCLN3ml98OxYYk-62wU/s1600-h/fridaynight.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEfttRyex5g8AGW39xuN8K_wy23r_SKPb21_Xwo9G4ZjeDLBIFv9PIw8mno_ecizO-oRP-OgSPJzCUBPytOnLEEDlLOm2c-Nb_n1BpD9mIDxRh8vmmLXjasJWMdCLN3ml98OxYYk-62wU/s320/fridaynight.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221708033355268850" border="0" /></a><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >VIERNES NOCH</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >E, SÁBADO POR LA MAÑANA<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >No hay ruido peor que las palabras cuando no se las necesita. Laure y Jean se encuentran en el caos de una ciudad paralizada por una huelga de transporte. Entre el murmullo del tráfico, Claire Denis nos presenta una historia de amor condensada y silenciosa.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Vendredi Soir</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > surge de una pequeña novela de Emmanuèle Bernheim y de la voluntad de Denis de no contaminar en forma alguna el relato. De ahí la ausencia casi total de diálogos. La propuesta de la directora francesa era realizar una traducción fiel en imágenes de una historia de sensaciones narrada en palabras. Sin embargo, no se trataba tanto de una obsesión por no explicar lo que sencillamente debe verse como de una obviedad: en la novela apenas hay diálogos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Claire Denis cambia las palabras por gestos, las intenciones por miradas, el deseo por planos detalle y los pensamientos por imágenes superpuestas. <i>Vendredi Soir </i>es un pequeño espacio, es un hombre y es una mujer. Y a ellos nos aproximamos con una mirada esquiva, descompuesta; una mirada que se posa fugazmente de detalle en detalle y que evoca todos los sentidos, del olfato al tacto.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Vendredi Soir</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > se ve desde la primera fila. No hay nada que la fotografía quiera esconder. La piel de los amantes desborda la pantalla, los protagonistas nos prestan literalmente sus miradas. Plano subjetivo y mirada externa se alternan para que nosotros estemos en ese coche, en ese restaurante, en ese hotel.<span style=""> </span>Erotismo y frialdad conviven en una extraña armonía que desliza como por inercia durante la película.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >En un primer contacto, podría acusarse a la cinta de poseer pocos elementos narrativos. Sin embargo, y a pesar de la quietud de las acciones, el tiempo se muestra condensado y los incidentes aparecen fragmentados. Siempre pasa algo, pese a cierta voluntad contemplativa.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Denis no juzga a sus personajes ni trata de psicoanalizarlos. La historia está en presente, sin importar otros tiempos: el pasado no es relevante y el futuro no se menciona. No se necesita profundizar en Laure (Valérie Lemercier) más de lo que ya se ha hecho. Conocemos de ella lo suficiente como para adoptar su mirada y nada más. Mucho menos sabemos o debemos saber de Jean (Vincent Lindon), que a veces parece un héroe de Godard, con su cigarro siempre colgando en los labios, y otras se muestra como un hombre sensato. En definitiva, lo conocemos tanto como Laure, y lo que podamos imaginar sobre él es a través de las fantasías de aquella, que se cuelan en el relato sin previo aviso.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >No existe la voluntad de manipular a los personajes a favor de unos fines concretos y supremos. De hecho, Lindon y Lemercier son parte constitutiva de la película y sus opiniones han sido decisivas en el resultado.<span style=""> </span>Lindon, por ejemplo, cambió el nombre de su personaje por el odio intrínseco que sentía por el nombre original, Frédéric. De ellos también fue la decisión de suprimir algunos de los pocos diálogos, por considerar que no encajaban en la actitud de sus personajes.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Entre todos (Lindon, Lemercier, Bernheim y el co-guionista Fargeau, en la retaguardia de Denis) han dado vida a un relato de símbolos sutiles. Se ha resumido una historia de amor en una sola noche, y ésta a su vez en una hora y media de imágenes. <i>Vendredi Soir</i> configura un microcosmos con significación propia, no queda momento libre de sensaciones. Cada instante contiene un sentido tan desmesurado que puede resultar invisible si no se presta atención.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Una vez asimilada la película, resulta evidente que los diálogos directamente no cabrían, serían un gran estorbo. En un primer borrador del guión, Claire Denis planeó acompañar las imágenes de una voz en <i>off </i><span style=""> </span>narrativa. Menos mal que no lo hizo.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209443924641294765.post-76592932279409516432008-07-10T00:40:00.005+02:002008-07-11T12:56:56.976+02:00KEANE<p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Keane</span></i><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, Lodg</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >e Kerrigan, </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >2004</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: right; line-height: 150%;" align="right"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt4knDK276dx-ZamhdkZnubq8k5ANgrgwPFOgQ8OFNsYzbHwFX_xn05rX4FCV23DZR79md7UsSBKxsnWivGdkNQ-99-lnLkaB2PkzS7Z3IxVGkDEdpo-EexAnCTUU3NZrYd3SEH38e2nA/s1600-h/keane.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt4knDK276dx-ZamhdkZnubq8k5ANgrgwPFOgQ8OFNsYzbHwFX_xn05rX4FCV23DZR79md7UsSBKxsnWivGdkNQ-99-lnLkaB2PkzS7Z3IxVGkDEdpo-EexAnCTUU3NZrYd3SEH38e2nA/s320/keane.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5221708668510639698" border="0" /></a><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >SINOPSIS </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >VERSUS SINAPSIS</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Cine y esquizofre</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >nia tienen algo en común: ambos funden</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > de forma inseparable ficción y realid</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ad. Es por eso que acercarse a la enfermedad mental desde l</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >a cámara es una tarea compleja y delicada. <i>Keane</i> es un ejemplo</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > magistral de cómo hacer honor a la de</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >mencia.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >William Kean</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >e (Damian Lewis) ha perdido a su </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >hija de seis años en una estación de a</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >utobús, o al menos eso cree él. La película no revela concre</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >tamente su bagaje, no explicita su </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >pasado; sino que deja espacio a</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > la libre interpretación. Frente a la pantalla debemos d</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >escifrar la ve</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >rdad de s</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >u historia, </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >abriéndonos p</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >aso entre las </span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >crisis y los m</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >omentos de lu</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >cidez de un pe</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >rsonaje que</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > no está d</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ispuesto a acl</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >ararnos nada</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" > sobre sí mismo</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >, ya que es inca</span><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >paz.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Lejos de pretender atosigarnos con alucinaciones o visiones subjetivas de su protagonista, Kerrigan se aproxima a su sufrimiento desde una estética realista. Mediante juegos de acercamiento-distanciamiento (tanto físico como psicológico) al personaje principal, logra ofrecer al público verosimilitud y posibilidad de identificación.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Durante la media hora inicial padecemos la angustia de Keane filtrada por una cámara en mano, en planos cercanos y asfixiantes. A lo largo de la película se nos permite alejarnos un poco, pero sólo sirve para sumergirnos en su contradicción, en la desesperación que trae consigo la lucidez transitoria.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >Nada de esto se conseguiría sin los gestos desencajados de Damian Lewis. Cargada de frustración, su mirada parece no perder el ánimo en una actuación a tiempo real, registrada en un escenario tan natural como fantasmagórico. Kerrigan no pudo parar el bullicio de la estación de autobuses, ni cortar el tráfico de las carreteras, y es precisamente eso lo que imprime veracidad al ambiente desolador en el que Keane se desenvuelve. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify; line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;font-family:Verdana;font-size:10;" >En <i>Keane</i> no hay diálogos amables ni personajes encantadores (incluso la pequeña Kira, Abigail Breslin, se muestra sobria y tímida). Hay desgarro, crudeza y sinceridad. En la vida real no existen historias simples ni personas maniqueas que puedan arreglar sus conflictos en noventa minutos. Como aquí sucede, puede haber intensidad dramática, pero nadie puede salvarse.<o:p></o:p></span></p>carmen sorianohttp://www.blogger.com/profile/09810656269389046342noreply@blogger.com0